Серпуховский историко-художественный музей — это одно из богатейших музейных собраний Подмосковья. Он расположен в особняке, который более 100 лет назад принадлежал старообрядческой семье Мараевых. Здание построено по проекту московского архитектора Р.И. Клейна в 1896 году.
На улице возле входа посетителей встречают свидетели Великой Отечественной войны, сохранившиеся до наших дней. Вот тяжелая немецкая полевая гаубица образца 1933 года, которая была взята как трофей при наступательной операции в 1941 году в районе Очаковских гор.
Параметры этого орудия поражают: длина ствола 4.4 метра, масса более 5 тонн, а максимальная дальность стрельбы более 13 км! И еще впечатляет «смертельная рана», которую получила эта гаубица:
толстые куски металла порваны словно лист картона.
А рядом на земле хранится авиационная осколочная бомба образца 1935 года, тоже произведенная в Германии и обнаруженная на территории города Серпухова в годы ВОВ. Ее длина 2.75 метра, а вес в боевом снаряжении 1 400 кг.
В фойе при входе в здание обращает на себя внимание большой портрет. Это изображение хозяйки дома: Анны Васильевны Мараевой. Портрет современный, но выполнен он по старинной фотографии, которую также можно увидеть в музее.
Анна Васильевна Мараева — женщина сильная и незаурядная. Она не только сумела воспитать 8 детей, но и оставшись одна после смерти мужа, управляя мануфактурным делом, сумела удвоить оставленное ей состояние и даже стать купчихой 1 гильдии.
Что же касается собрания предметов искусства, то оно складывалось в доме Мараевых стихийно. Поскольку семья была старообрядческая, в ней было очень трепетное отношение к иконам. Они собирались по храмам и брошенным скитам.
Причины приобретения художественной коллекции до конца не ясны. Возможно, Анна Васильевна Мараева хотела выручить своего давнего знакомого, который вложил в сбор много сил и денег, да так и разорился, а может быть это был вклад в ценности в то смутное время. Ведь за своё первое приобретение Мараева заплатила неслыханную сумму — 50 тысяч рублей золотом!
Именно эта часть коллекции является основой экспозиции сегодняшней выставки. Позже фонды музея пополнялись: сюда попадали предметы искусства из разоряемых храмов и брошенных хозяевами усадеб, предметы старины с различных базарчиков и распродаж.
Сейчас музей обладает редчайшими произведениями, в том числе уникальными работами авангардистки Натальи Сергеевны Гончаровой и скульптора Сергея Тимофеевича Конёнкова, а также огромным количеством икон московской школы.
Художники абрамцевского кружка
Виктор Васнецов был одим из участников абрамцевского (мамонтовского) кружка, основанного 1872 году. В Серпуховском музее представлен первый вариант его знаменитой картины «Витязь на распутье», написанный в 1878 году.
Именно эта картина представлялись на мировой выставке в Нью Йорке в 2006, и президент В.В.Путин снят журналистами как раз на фоне этой картины.
Окончательный и более фундаментальный вариант полотна «Витязь на распутье», который более всем известен, сейчас хранится в Русском Музее Санкт-Петербурга, но написан он уже позже в 1882 году.
В этом же зале представлены предметы с резьбой по дереву. Они производились в мастерской Абрамцево: это мебель, многочисленные полочки, шкатулки, которые изготавливались по эскизам знаменитых художников.
Анна Васильевна Мараева с удовольствием приобретала эту продукцию дял своей усадьбы. В экспозиции музея представлена прижизненная мебель, используемая хозяйкой дома и выполненная по эскизам резчиков мастерской, которой руководила сестра Анны Васильевны.
В музее представлены уникальные образцы мастерства гениальных резчиков того времени. В годы Великой Отечественой войны вся коллекция вывозилась из города и сохранялась вдалеке от района боевых действий.
Пейзажная живопись
В музее представлена обширная коллекция шедевров пейзажной живописи второй половины 19 века. В этот период этому направлению уделялась весьма скромна роль: ведь с появлением фотографии, казалось бы, этот вид искусства обречен на вымирание. Но проиизошло обратное: пейзажная живопись возродилась как неповторимый человеческий взгляд на мир, как задушевная исповедь автора.
Например, картины основоположника лирического пейзажа А.К. Саврасова. Его знаменитые «Грачи прилетели», ставшие живописным символом России, известны далего за пределами страны. Здесь же находятся другие его менее известные полотна.
Вот необычный пейзаж кисти Саврасова «Лунная ночь. Болото», 1870.
На этом полотне художник изобразил ничем не примечательный уголок российского захолустья. Так кажется на первый взгляд. Но при этом художнику удалось найти удивительную связь между тем, что он изображает, и светом.
На этом полотне он гениально передаёт зыбкую лунную субстанцию, которую зритель просто чувствует и осязает наяву. На холсте лунный свет, пробивающийся сквозь облака, мерцает на листве кустарника как золотые блики. И это всё достигается при помощи красок одного цвета!
Не удивительно, что когда картина была представлена на выставке в Москве, она собрала очень много положительных откликов. В одном из отзывов написано, что женщина 3 раза возвращалась, чтобы внимательнее рассмотреть и полюбоваться на эту, казалось бы, не очень примечательную картину гениального Саврасова «Лунная ночь. Болото».
А вот произведения совершенно другого направления, наполненные мощью природы, чудесами русского леса, показанные через силу и настроение шедеврального Ивана Ивановича Шишкина.
В музее есть его зимний пейзаж «Еловый лес зимой». Здесь он разрабатывает редкую для его творчества тему снега. Подобных «зимних» работ написано совсем немного: всего около 10 картин.
Снежный покров на полотне, сливаясь с густотой елового леса, тем не менее резко контрастирует с резким энергичным ростом деревьев в высоту. Это подчёркивается ещё одним приёмом — мы видим стволы как бы срезанные краем холста.
Даже оригинальная рама этой картины выполнена по эскизу самого художника Шишкина, а украшена обычным пшеном, только бронзированным… Но как всё это эффектно смотрится!
Шишкин был, как говорили его коллеги по цеху, специалистом по написанию картин научным образом, потому что он старался тщательно выписывать каждый листочек, каждую травинку, чтобы была узнаваема порода деревьев. Вот его картина «Сестрорецкий бор», 1896.
В залах музея представлены образцы ваз, подражающих французским. Самая крупная из них расписана известным художником Красовским в 1870 году с использованием цветочного орнамента.
Но чаще для росписи использовались сцены из жизни семьи императора.
Передвижники
В музее целый зал посвящён выставке работ художников-передвижников. Это товарищество было создано в 1870 году и просуществовало около 50 лет. За это время они провели 48 выставок в разных городах России, как бы передвигая свои работы по центральной части территории страны. Отсюда и название — передвижники.
Часто обыватель, простой человек, приходя на такие выставки, узнавал в персонажах картин себя и своих близких. Естественно, хотел видеть их довольными и счастливыми. Поэтому тема страданий народа во 2-й половине 19 века вытесняется картинами более светлого содержания, не хитрого быта простых людей.
Автор вот этого монументального полотна В.Е. Маковский. Он посвятил её светлому празднику Пасхи в скромной деревне Селище Орловской губернии.
Картина привязана к определённому месту, носит и этнографический характер. Изображён крестный ход во главе со священником, который проходит накануне праздника. Во время этого действа обходился каждый двор прихода, чтобы освятить пасхальную снедь: куличи и крашеные яйца.
Надо сказать, что такие большие монументальные полотна не свойственны для такого художника как Маковский. Он предпочитал писать небольшие жанровые картины. Их также много представлено в этом зале.
Очень трогательная работа Маковского «Поздравление с Ангелом», наполненная чувствами любви, умиротворения и заботы друг о друге.
На картине изображена престарелая пара. Супруга только что вернулась из храма после Обедни, говорит мужу какие-то теплые слова. Он ее ждал: на столе закипает самовар, накрыт стол.
В честь праздника супруг надел свой лучший жилет. У обоих удивительные умиротворенные лица.
Насколько точно художник уловил все мелкие детали и изобразил персонажей с большой любовью!
А вот портрет Николая Ярошенко «Цыганка». Очень живая работа: создается ощущение, что сейчас эта цыганка перегнется через подоконник.
Этот эффект усиливается специальным приемом «двойная кадрировка», когда рама холста совадает с рамой окна.
И еще одна картина, которая очень понятно рассказывает свою историю. Это полотно И.М Прянишникова «В ожидании шафера».
Шафер — это друг жениха, который приезжает в дом к невесте и увозит ее к жениху в церковь. Говоря современным языком, это — свидетель на свадьбе.
В ней художник обращается к теме неравного брака, но трактует ее очень деликатно, на языке деталей.
Престарелого жениха на картине не видно, зато внимание зрителя сразу же приковывает образ свахи, которая вольяжно восседает на переднем плане и даже позволила себе закурить, что, по тем временам, было для женщины шагом неслыханной смелости.
По такому ее поведению сразу понятно, что она чувствует себя хозяйкой положения: ведь она нашла выгодную партию для невесты. Даже отец немного робеет перед вольным поведением свахи. А прекрасная невеста, несмотря на восхитительный свадебный наряд, выглядит очень печально.
Прянишникова называли Островским в живописи, настолько его произведения были точны и жизненны.
Парадная гостинная Мараевых
Бывшая парадная гостинная в доме Мараевых или Белый зал оформлен в подражании Дворцовым залам в стиле ампир, эпохи Наполеона Бонапарта.
Как видите, основной цвет стен белый. А потолок щедро украшен лепниной и другими элементами декора.
В интерьере представлен малахитовый стол. Часть стола, называемая подстольем, украшена женскими фигурками.
Столешница, на первый взгляд, кажется единой малахитовой плитой. Но на самом деле, это металлическая доска, которая облицована кусочками малахита, а стыки между ними не видны, благодаря тщательной замечательной полировке.
При этом выложены они не просто так, а в виде причудливых узоров. Такую технику впервые применили наши уральские камнерезы в конце 18 века, и она получила название «Русская мозаика».
А стулья сделаны из необычной и редкой породы дерева: карельской березы. Она обладает мраморовидной текстурой с золотистым оттенком.
Конец 19 — начало 20 века.
Период очень непростой: войны, революции, экономические спады и подъёмы, открытия в науке и технике. Всё это не могло не отразиться на культуре. В этот период она испытывает необыкновенный подъём. Период так называемого Ренессанса, который наш философ Николай Бердяев назвал «Серебряным веком русской культуры».
Искусство этого времени характеризует разнообразие творческой жизни, создание творческих объединений. В частности, в 1903 году был организован Совет русских художников. Они считали себя приемниками передвижничества и декларировали в своих правилах отсутствие всякого жюри и предоставления полной свободы всем художникам.
Основная тема их произведений — изображение русской природы, старинных российских городов и дворянских усадеб.
И, конечно, художники того времени рубежа веков, ищут новые средства выражения. Ими становятся свет и цвет. И самое главное, меняется техника живописи. На смену гладкому иллюзорному академическому письму приходит техника рассеянного мазка, пастозность красок. И вот этот открытый раздельный мазок становится главным выразительным средством в создании образа.
Константин Фёдорович Юон, автор полотна «Весенний вечер. Ростов Великий» пробовал себя в различных жанрах искусства. Вот этот мазок хорошо виден в его картине.
Этими сильными сочными мазками он пытается передать надёжность крепостных стен, мерцание закатного неба, рыхлость весеннего снега. Все эти мотивы дополняют друг друга и создают единое живописное пространство.
Авангард
Начиная с 1910 года начинают появляться интересные картины молодых художников: яркие, вызывающие, пронизанные движением, отражающие мир как бы в кривом зеркале, нарушающие существующие нормы и правила.
Это направление в живописи получило название авангарда или авангардизма, что в переводе с французского обозначает передовой отряд, передний край.
Отличительная особенность авангарда — его открытость перед публикой. Мерой успеха таких произведений является не принятие их внутреннего совершенства, а то впечатление, которое картина производит на публику.
Авангард будоражит, озадачивает, возмущает, но ни в коем случае не должен оставить равнодушным. Что чаще всего и происходит. Рассматривая эти картины, мы можем возмущаться, удивляться, можем говорить, что и я так умею, но это всё говорит о том, что мы не остались равнодушными. 🙂
Картины Натальи Сергеевны Гончаровой
Серпуховский Художественный музей обладает прекрасной коллекцией Натальи Сергеевны Гончаровой (1881-1962). Её называли амазонкой русского авангарда. А еще она была внучатой племянницей Натальи Николаевны Гончаровой — жены поэта А.С. Пушкина.
Наталья Сергеевна — уроженка Тульской области, закончила Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Причём изначально она поступала на скульптурное отделение, но познакомившись со своим будущим мужем — художником Ларионовым, — перевелась на живописное отделение.
Он сказал ей следующее: «Ты должна открыть глаза на свои глаза». Он сумел рассмотреть в ней талант живописца и не ошибся, потому что и по сей день картины Гончаровой — самые дорогие в мире среди всех женщин-художниц.
Специалисты искусствоведы усматривают несколько периодов в творчестве художницы. К 1906 году она создаёт серию живописных цветочных натюрмортов, рассматривая цвет как природное предназначение цветка, выражение его сути.
Один из «букетов» кисти Н.С. Гончаровой, экспонировавшийся на выставке 1908 г., отметил такой взыскательный ценитель, как В.А. Серов.
В зале музея представлен натюрморт «Георгины».
Начиная с 1907 года, Наталья Сергеевна сознательно переходит к простоте примитивизма, упрощая манеру письма. Специалисты подчёркивают пластичность и звучность сочетания красок и создаваемых образов на картинах Гончаровой.
В этот период появляются ее работы «Стрижка овец» и «Бабы с граблями», а также более поздняя картина «Хоровод».
Несмотря на достаточную плоскость картин и отсутствие глубины, в них выражается не просто стиль, но мировозренческая суть крестьянского хозяйства.
Западно-Европейская живопись
Одним из самых ярких и плодотворных явлений в живописи Западной Европы 17 века стала фламандская школа, которую отличают зрелищность и динамизм композиций, щедрость палитры, свобода письма, богатство значений и праздничная энергетика образов.
Напротив, немецкая школа живописи 17-18 веков занимала скромное место, почти всецело подчиняясь иностранному, в первую очередь, итальянскому и голландскому влияниям. Впрочем, ее спокойная трезвость и добротная тщательность и теперь, как и всегда, своеобычны и привлекательны для зрителя.
На рубеже 17-18 столетий господствующим родом живописи стали большеформатные декоративные композиции, предназначенные для дворцовых интерьеров.
А вот морские пейзажи и уличные сценки. А также натюрморты, которые не просто изображали различные элементы природы, но через определенные символы, которые прорисовывал художник, можно было расшифровать секрет того, что он хотел рассказать зрителям.
А в основу этих картин положены сюжеты из Библии. Они явно предназначены для церковных интерьеров.
Выставка икон
В художественном музее Серпухова представлена выставка «Православные древности Серпуховского края». Два просторных зала отведены под экспозицию.
Здесь представлены иконы, церковные книги и другая богослужебная утварь, предметы декоративно-прикладного искусства. Все эти древние ценности взяты из серпуховских храмов и монастырей, а также из личного архива А.В. Мараевой: ведь ее коллекция была одной из известнейших среди старообрядческих собраний Московской губернии.
Самые старинные произведения, которые находятся на выставке, относятся ко второй половине 15 века. Это серебрянная панагия из Владычного монастыря и новгородская икона «Святой Николай с житием», которая был привезена из Покровской старообрядческой церкви.
На витрине представлено напрестольное Евангелие, которое ранее находилось в храме Спаса Нерукотворного Образа, Серпуховской области. Год издания этой книги 1759 и напечатана она была в Москве.
Латунный оклад к Евангелию был добавлен позже и относится к 1-й четверти 19 века. Интересно, а сколько все это может весить?
Скульптура «Христос в темнице» относится к 18 веку. Подобные вырезанные скульптурные изображения можно было встретить во многих городских и сельских храмах русской провинции.
Одним из шедевров декоративно-прикладного искусства, который находится на выставке, является резной крест 17 века из Высоцкого монастыря.
Эта историческая реликвия уникальна для Подмосковной обители. Это произведение поствизантийского искусства было пожертвовано Высоцкому монастырю патриархом Филаретом.
Выставка «Магия фарфора»
Фарфор представляет собой самый благородный и наиболее совершенный из керамических материалов. Первоначальное отношение европейцев к фарфору как к особо ценному материалу объясняется незнанием секрета его изготовления.
Большинство исследователей истории фарфорового производства сходятся во мнении, что впервые фарфор появляется в Китае в V-VI веках. Японские фарфористы сумели наладить собственное производство лишь в XV веке.
По легенде, первый фарфоровый сосуд привез в Венецию в 1295 году знаменитый итальянский путешественник Марко Поло. С этого времени фарфоровые изделия ввозятся в Европу.
Европейцы сразу оценили новую керамику.
Как почти со всеми предметами, появившимися с Востока, с фарфором связывалось множество суеверий: европейцы верили в магическую силу фарфоровых изделий. Не случайно восточный фарфор в Европе ценился чуть ли не на вес золота.
«Фарфоровая лихорадка», охватившая всю Европу в XVIII веке, сделала идею его «изобретения» почти такой же значительной, как стремление алхимиков получить золото.
История русского художественного фарфора — одна из самых интересных страниц истории отечественного искусства. В России собственная фарфоровая мануфактура была основана в 1744 году в Санкт-Петербурге, а с 1765 года она поменяла название и стала величаться «Императорский фарфоровый завод»).
Благодаря деятельности и таланту Дмитрия Ивановича Виноградова, ученого-керамиста и появляется русский фарфор. Над совершенствованием его рецепта учёный работал всю жизнь.
Этот хрупкий и тонкий материал сумел объединить в себе и скульптуру, и живопись, и графику.
Со времени основания в России Императорского фарфорового завода, развитие русского художественного фарфора находилось в неразрывной связи со всеми новыми веяниями в изобразительном искусстве и архитектуре.
Благодаря своей синтетичности, фарфор, наравне с другими видами искусства, отражал исторические события, происходившие в русском обществе.
Положение фарфора в русской культуре, его общенациональная значимость определены широтой вовлечения в культурное творчество самых разных социальных кругов, и им присущих типов художественного сознания.
В процессе своего развития художественный фарфор как неотъемлемая часть изобразительного искусства испытывает влияние новых стилистических тенденций и отражает художественные и духовно-эстетические идеи своего времени.
Выставка самоваров
В отдельной комнате Серпуховского краеведческого музея открыта выставка, посвященная самовару. В витринах представлены многочисленные представители этого популярного агрегата.
Спектр чайного оборудования весьма широк: от привычных и всем известных экземпляров до экзотических, выполненных в различной форме, а также совершенно разных по размеру.
Ряд этих чайных представителей использовались на каждый день, а некоторые выставлялись на стол лишь по праздникам.
На стенах висят описания про историю возникновения самовара.
А еще интересна схема того, как привычный самовар устроен. На этом рисунке приведены названия всех элементов известного устройства.
Так что можно только удивляться, как такой казалось бы привычный аппарат может иметь в своем составе столько разнообразных деталей, да еще и со своими названиями. 🙂
Вы можете увеличить картинку и самостоятельно изучить все имеющиеся запчасти. И когда-нибудь, возможно, сможете удивить окружающих своими познаниями в области чайного дела. 😀
На витринах и столах разложены различные рецепты чая, чайных напитков, бальзамов, сбитней, которые рекомендуется применять при различных заболеваниях. Но не только. Многие предназначены для вполне себе здоровых людей: для увеличения жизненной силы и богатырского здоровья.
В зале представлены многочисленные художественные полотна, которые так или иначе связаны с процедурой чаепития,
а также прочая домашняя утварь, без которой так трудно представить себе посиделки вокруг самовара.
Выставка камня
В Серпуховском историко-художественном музее находится минералогическая выставка «Сокровища подземного царства». Здесь расположена уникальная частная коллекция камней, котрую собрал Владимир Романович Кирницкий, житель Серпухова, который по совместительсту является городским депутатом.
Где находится, режим работы
Художественный музей находится по адресу: Московская область, г. Серпухов, ул. Чехова, д.87.
Координаты (парковка): 54.90375, 37.42468.
Кстати, посетителям музея парковкой можно воспользоваться бесплатно, и время ее работы совпатает с графиком работы музея.
Часы работы Серпуховского историко-художественного музея. А график у него непростой. 🙂
- Понедельник — выходной.
- Вторник — с 13:00 до 17:30
- Суббота — с 10:00 до 19:00
- Остальные дни — с 10:00 до 17:30.
Цены на экскурсии и входные билеты
Цены на входные билеты в Серпуховский историко-художественный музей:
- 150 руб. — взрослые;
- 100 руб. — пенсионеры;
- 80 руб. — школьники;
- 220 руб. — интуристы.
В эту стоимость входит самостоятельное посещение основной художественной экспозиции, а также осмотр выставки икон, фарфора и самоваров.
Выставка камней серпуховского коллекционера Владимира Кирницкого оплачивается отдельно, но об этом подробнее рассказано в .
Здесь также можно заказать посещение с экскурсией Покровской старообрядческой церкви, которая в настоящее время находится в ведении музея. Подробнее об этом удивительном храме, который расположен рядом со зданием музея и об экскурсионной программе читайте в этой статье.
Фотосъемка оплачивается отдельно — 150 руб., видеосъемка — 550 руб., профессиональная фотосъемка — 1000 руб.
В кассе музея дополнительно можно заказать экскурсию по художественной выставке картин. Экскурсионное обслуживание для группы менее 5 человек нам обошлось в 880 руб.
Наша поездка состоялась 23 июля 2016 года. А еще в этот день мы посетили старообрядческий Покровский храм, который расположен поблизости и интересную и очень увлекательную выставку скульптур из бетона под открытым небом: «Берендеево Царство».
На карте ниже представлены другие достопримечательности Московской области, где мне удалось побывать.
Подробнее о каждой из них можно посмотреть .
Когда мы решили перебраться в Серпухов, то первым делом открыли «Вольную энциклопедию» и стали разбираться, что в этом городе есть замечательного. Среди всего прочего в энциклопедии было написано, что в Серпухове имеется в наличии музей, который обладает «уникальной картинной галереей», второй после Третьяковки. А называется он Серпуховской художественный музей.
Что собой представляет Серпуховской историко-художественный музей
Для Серпухова, конечно, музей неплох, но сравнивать его с Третьяковкой, безусловно, нельзя. Он второй после неё, наверное потому, что художественных музеев в области раз, два и закончились.
Располагается Серпуховской историко-художественный музей в особняке XIX века. Открыт был почти сто лет назад. Я особенно не знаток в художественном искусстве, но все же некоторые имена художников, которые я прочел на табличках, и мне известны со школы: Верещагин, Левитан, Саврасов, Шишкин, Васнецов. А еще картины Поленова, про которого я ничего не знал до тех пор, пока не съездили. Усадьба эта относительно недалеко от Серпухова находится. Красиво там очень – рекомендую.
Кроме действительно интересной коллекции картин, есть в музее другие любопытные штуки, например, интерактивные выставки, одна из которых посвящена денежным знакам, а вторая воссоздает торговую лавку.
Но больше всего мне понравилась выставка минералов. Для такого музея это, конечно, «ого-го». Это выставка – как продолжение нашей прогулки в , куда мы всей семейкой ходили. Выставка минералов – шикарная: уверен, что даже равнодушному к геологии будет там интересно, потому что очень красиво.
Кстати, вот это любопытное панно, которое висит на стене, сделано из тонких пластинок – срезов минералов. Они такие тонкие, что даже просвечивают на свет.
Интересные мероприятия, которые проводит Серпуховской историко-художественный музей
В музее проводят новогодние елки, где праздничное представление объединено с экскурсией. Мы с дочкой Танюшкой два раза там были.
Еще музей организует всякие экскурсии по городу, особо интересны театрализованные, когда экскурсовод одет в исторический костюм и вся прогулка идет по какому-то сценарию.
Потом в музее проходит много всяких-разных мероприятий для детей. Мастер-классы, творческие программы и все такое. Даже День рождения можно отметить или выпускной вечер провести. Во всяком случае, так написано у них на сайте www.serpuhov-museum.ru
Как добраться до серпуховского музея
- Автобусами №3,№8, №20 от железнодорожного вокзала. Надо выходить на остановке «Музей», потом потребуется немного пройтись пешком.
- Адрес музея: город Серпухов, улица Чехова, дом 87.
- Время работы: с 10.00 до 17.00, в среду работают с 13.00 до 20.00, в понедельник музей не работает, а последний четверг месяца – санитарный день.
- Стоимость: без экскурсии с взрослого человека возьмут 150 рублей.
- Официальный сайт: www.serpuhov-museum.ru
Серпуховский
историко-художественный музей
В городе располагается один из крупнейших в России музеев — Серпуховский областной историко-художественный музей. Его собрание насчитывает около 37000 экземпляров. Среди них:
- древнерусские иконы;
- старопечатные книги;
- рукописи;
- произведения живописи и графики;
- скульптура;
- образцы декоративно-прикладного искусства.
Русская живопись XVI-XX веков
Знакомство посетителей с произведениями русских художников начинается с работ, созданных в первой четверти XVIII столетия. Стилистическое оформление и образное содержание портрета царя Федора Алексеевича в значительной степени связано с традициями парсуны (от латинского слова «персона»: так в России второй половины XVII века называли светские, отличные от иконописи, портретные изображения конкретных лиц). Интерес архаично-условного, вневременного в своей торжественности представления царственной особы сочетается с интересом к показу остроиндивиду-ального облика болезненного монарха, что было характерно для искусства Петровской эпохи. К тому же времени, судя по специфическим деталям живописной манеры и данным технологического анализа, принадлежит портрет Ермака Тимофеевича. Заметим, что изображения покорителя Сибири пользовались всегда большим успехом и неоднократно дублировались в живописи и печатной графике. Поскольку не сохранились прижизненные портреты, то уже к началу XVIII века сложилась устойчивая иконография вымышленных образов Ермака. В настоящее время известно несколько их вариантов (поясной — в Государственном Русском музее в Петербурге, погрудный — в краеведческом музее Нижнего Тагила). Портрет Ермака, представленный в Серпуховском музее, отличается высоким качеством исполнения, артистизмом в моделировании форм и самобытным подходом к прочтению образа народного героя. Согласно преданию, данный композиционный тип портрета легендарного первопроходца был создан братьями Иваном и Романом Никитиными, прославленными петровскими живописцами, в период их сибирской ссылки. Не исключено, что и серпуховский портрет Ермака Тимофеевича принадлежит наследию этих художников.
Другой примечательный образец портретного жанра относится к середине 1750-х годов. Это поясное изображение неизвестного офицера Измайловского полка с орденом Святой Анны. Его композиционное решение и трактовка отдельных деталей обладают очевидным сходством с «Портретом князя М. Т. Мещерского», который имеет подпись известного мастера М. Л. Колокольникова и датирован 1756 годом (Тверь, Областная картинная галерея). Однако, судя по технологическим особенностям исполнения, структуре и цвету грунта, перед нами — картина другого автора. С этим искусством контрастирует отточенное живописное мастерство и холодная безучастность образной характеристики портрета неизвестного офицера Гатчинской гвардии цесаревича Павла Петровича. Этот портрет создан иностранным художником (по всей видимости, выходцем из Германии или Прибалтики) в начале 1770-х годов.
Высокий профессиональный уровень отличает произведения мастеров, работавших во второй половине века, в эпоху стремительного взлета и расцвета отечественной портретной живописи. Бесспорно, наиболее значительным среди них является «Портрет неизвестного», принадлежащий кисти выдающегося московского портретиста Ф. С. Рокотова (около 1735-1808). В отличие от большинства современников, утверждавших в своем искусстве значимость активной человеческой личности, ее деловые и интеллектуальные возможности, Рокотов прежде всего лирик, мастер камерного портрета. На первый план он выдвигает отражение внутреннего мира человека, его тонких, едва уловимых настроений и эмоций.
Мы не знаем имени молодого человека, изображенного на данном портрете. Из старинной надписи на оборотной стороне холста известно только, что он «писанъ отъ рождешя 30 лет въ 1787 мъ году». Отсутствие подписи не вызывает сомнений в авторстве Рокотова. Все здесь, начиная с излюбленной мастером овальной формы портрета, с которой гармонично сочетаются плавные, текучие линии силуэта и характер трактовки широко расставленных глаз, а также мягкое рассеянное освещение, словно окутывающее портретируемого, свидетельствует в пользу авторства Рокотова.
Усилившийся за последние десятилетия интерес исследователей и широких зрительских кругов к творчеству крепостных и провинциальных живописцев позволил по-новому оценить это своеобразное явление в истории нашей культуры. Музею принадлежит немало таких памятников, которые условно можно разделить на три категории. К первой из них, наиболее тесно связанной с традициями допетровской парсуны, принадлежат изображения церковных иерархов, выполненные неизвестными мастерами, возможно, специализиров-авшимися в области иконописи и храмовых росписей в конце XVIII — первой трети XIX веков («Портрет епископа Тихона Задонского»). Ко второй — произведения крепостных живописцев, не получивших соответствующего профессионального образования. Безыскусная наивность художественных средств свойствена конному портрету В. П. Давыдова, ведущему свое происхождение из родового имения графов Орловых-Давыдовых — Отрада — в селе Семеновском. Крепостной художник удивительно непосредствен в восприятии образа модели: он привносит новое содержание в традиционную форму парадного конного портрета (несомненно, в качестве композиционно-типологического образца безымянный портретист имел гравюру с произведения западного мастера). Кроме того, образцами городского провинциального портрета являются изображения серпуховичей, в частности, купца Н. Н. Плотникова и его супруги, датированные 1839 годом, а также мужской и женский портреты, которые, возможно, относятся к числу поздних произведений талантливого провинциального живописца Ф. А. Тулова (1792-1855).
В музее Серпухова также представлены работы столичных художников, среди которых следует выделить тесно связанные с романтической традицией парные изображения старика и старухи, работы А. О. Орловского (1777-1832), поляка, много лет прожившего в России; и «Женский портрет», кисти натурализовавшегося в Москве француза Ж. Жерена (17(?) — не ранее 1827).
Представление в парадных залах первого этажа бывшего мараевского дома работ русских художников середины и второй половины XIX века позволило расставить акценты в характеристике основных тенденций и направлений отечественного искусства. Ко второй половине столетия Императорская Академия художеств, игравшая прежде важную роль в культурной жизни России, постепенно утратила свои прогрессивные позиции. Г. И. Семирадский, признанный глава академического направления, к 1884 году, времени создания картины «Песня рабыни», имел за плечами шумный успех, который принесла ему огромная многофигурная композиция «Светочи христианства». В основу работы, представленной в Серпухове, он положил малопримечательный, но трогательный, сентиментальный по своей фабуле, эпизод из частной жизни древних римлян: рабыня, привезенная из далекой восточной страны, музицированием услаждает слух двух молодых знатных дам. Другая работа Г. И. Семирадского — «Праздник Вакха» — написана на сюжет, чрезвычайно популярный в западноевропейском искусстве. В его интерпретацию привнесено общее настроение радостно-беспечного, гедонистического отношения к жизни. В парадной гостиной также экспонируются выдающиеся произведения других художников, примыкавших к салонному направлению. Центральное место здесь принадлежит картинам К. Е. Маковского (1839-1915). Его большое полотно «Под венец» (1890) посвящено распространенной в искусстве той поры теме жизни и бытового уклада допетровской Руси, но ее интерпретация носит ярко выраженный салонно-академический характер. Следует выделить область, где дарование живописца проявилось наиболее отчетливо, — это любовно навысанные предметы быта далекой эпохи (всевозможные ларцы, посуда, ковры, мебель, свидетельствующие о познаниях художника в области истории материальной культуры). Серпуховскому музею принадлежит авторское повторение этой картины. Ее первоначальный вариант, вывезенный из России еше в конце прошлого века, сейчас находится в частном собрании в США. Другая работа К. Е. Маковского — «В каирской кофейне», — датированная 1872 годом, написана на современный и, вместе с тем, экзотический сюжет. В ее основу были положены впечатления мастера, полученные во время поездки на Ближний Восток.
Диаметрально противоположный характер имело творчество В. Е. Маковского (1846-1920) — одного из ведущих деятелей русского демократического искусства, члена Товарищества передвижников. Воспитанник Московского училища живописи, ваяния и зодчества, он посвятил свое творчество показу современной жизни во всех ее явных и скрытых противоречиях. Мастер малого жанра — композиций, состоящих из одной-трех фигур, — В. Е. Маковский обладал замечательным даром рассказчика. Он остроумно, с большим внутренним тактом рассказывал о слабостях своих современников и критиковал пороки социального устройства общества. Иронией и, в то же время, сочувствием к «маленькому человеку» проникнуты его картина «Поздравление» (1878), развивающая бессмертную федотовскую тему, и этюд «Оптимист» (1894). Другая работа — «В избушке лесника» (1886-1887, авторское название «Охотники») — экспонировалась на XV передвижной выставке и получила высокую оценку В.В. Стасова. Посредством умело подмеченных деталей, обстановки, поз, типов и жестов героев художник проникновенно повествует о буднях охотников, их интересах и страстях.
В конце 1880-х годов в творчестве В. Е. Маковского большое место начала занимать крестьянская тема. В эти годы художник много путешествовал, делал зарисовки деревенских пейзажей и наброски для портретов крестьян. Результатом одной из таких поездок явилась большая картина «Молебен на Пасхе», написанная по этюдам, сделанным в Карачевском уезде Орловской губернии (1887-1888). За внешним красочным обрядом православного праздника, разнообразием народных костюмов и колоритными образами крестьян живописец увидел сложные человеческие характеры, сумел показать расслоение деревни в пореформенной России.
Музей Серпухова хранит картину «В ожидании шафера» (1891), принадлежащая кисти другого известного передвижника — И. М. Прянишникова (1840— 1894). Созданная в поздний период творчества мастера, она воспроизводит сцену, отражающую нравы современного общества, уличает царившие в нем пошлость и продажность. Композиция построена на антитезе между властной, чувствующей себя везде хозяйкой, купчихой и заискивающе улыбающимся, осторожно присевшим на уголок стула пожилым отцом невесты.
Глубокий интерес к прошлому русского народа, его письменной и устной истории демонстрируют картины «Боярин на крыльце» Н. В. Неврева (1830-1904) и «Московский приказ в XVII столетии» А. С. Янова (1857-1918) — мастера театрально-декорационной живописи, станковые произведения которого встречаются чрезвычайно редко. Но наиболее значительный и привлекательный экспонат в этом разделе — первый вариант хорошо известной композиции В. М. Васнецова (1848-1926) «Витязь на распутье», созданный в 1878 году и впервые показанный на VI выставке Товарищества передвижников (несколько лет спустя, в 1882 году, художник создат увеличенный вариант серпуховского полотна, который ныне принадлежит Государственному Русскому музею в Санкт-Петербурге).
Как превосходный образец русской реалистической школы живописи интересна картина «Цыганка», работы Н. А. Ярошенко (1846-1898), датированная 1886 годом. Хотя она традиционно не включается в основные произведения этого художника, все же это произведение, несомненно, свидетельствует о таланте автора.
Творчество выдающегося мастера морского пейзажа И. К. Айвазовского (1817-1900) представлено в музее несколькими работами. Среди них типичная для творчества живописца картина «Прилив», прославляющая суровую мощь и красоту морской стихии. Она написана в начале 1870-х годов — в зрелый период творчества мастера, когда на смену ранним, внешне декоративным полотнам приходит более глубокое и реалистически правдивое изображение жизни природы. Своеобразна небольшая по размерам композиция Айвазовского «В тумане» (1879 год). По берегу моря прямо на зрителя движется повозка. Но не она, а влажный морской воздух, туман, сквозь который с трудом пробиваются лучи солнца, привлекает интерес художника, определяет смысловой и эмоциональный строй картины.
В отличие от И. К. Айвазовского, Л. Ф. Лагорио (1827-1905) в «Лунной ночи на море» (1886) более условен и декоративен. «Порт Гавр» (1852), кисти А. П. Боголюбова (1824-1896), сочетает в себе почти документальную точность в изображении портовой набережной и оснастки судов с тонкой гармонией колористического решения. Данную картину Боголюбов написал, будучи еще учеником Академии художеств. В ее основу легли зарисовки и этюды, сделанные во время пребывания художника в Морском кадетском корпусе, когда он побывал в нескольких дальних плаваниях. Отметим, что, наряду с формирующейся собственной манерой письма мастера, в этой картине еще явно прослеживаются влияния старших современников и наставников Боголюбова на молодого художника — М. Н. Воробьева и И. К. Айвазовского.
Важный вклад в развитие русского реалистического пейзажа внесли художники-передвижники. Тема родной природы, идея ценности самого обыденного, непритязательность мотива являются отличительными чертами их полотен. Среди работ А. К. Саврасова (1830-1897) центральное место принадлежит картине «Лунная ночь. Болото» (1870), по праву считающейся жемчужиной серпуховского собрания. Мотив непроходимого болота, освещенного призрачным светом луны, оказался созвучным невеселым думам художника о горечи и безысходности современной жизни. Этому настроению отвечает и цветовой строй пейзажа. Из сочетаний серых, коричневых, серебристо-охристых тонов Саврасов извлекает множество оттенков, сливающихся в чарующе прекрасную цветовую симфонию. Емкостью, необычайным единством эмоционального содержания, мастерством изображения природы «Болото» вместе с пейзажем «Лосиный остров в Сокольниках» (1869, Государственная Третьяковская галерея) непосредственно подготавливает почву для появления шедевра Саврасова — картины «Грачи прилетели».
Также неоценимый вклад в искусство внес В. Д. Поленов. По складу своего дарования В. Д. Поленов (1844-1927) был лирик, тонко чувствовавший обаяние и своеобразие среднерусской природы и гармоничное слияние с ней человека. Он видел в природе умиротворяющее начало. Такой подход к пейзажному мотиву проявился в находящейся в Серпухове картине «Старая мельница», написанной в 1880 году, в период блестящего расцвета таланта Поленова-пейзажиста. Соотношение заброшенной водяной мельницы и обступившей ее кругом буйной молодой зелени, маленькая фигурка деревенского мальчишки-рыбака, словно растворяющаяся среди природы, разлитое кругом настроение тишины и покоя — все наводит на размышления о разрушающем и одновременно созидающем ходе времени. Работая над картиной, Поленов исполнил этюд с натуры (Государственная Третьяковская галерея), звонкие, чистые краски которого передают восхищение данным художнику откровением. В сравнении с этим этюдом цветовое решение картины кажется более традиционным: серебристый свет пасмурного дня нивелирует, приглушает звучание отдельных тонов. Но наряду с этим композиция становится более выверенной, монументально-ритмичной, великолепно передает элегически-созерцательное настроение. Картинной галерее в Екатеринбурге принадлежит вариант серпуховской картины, повторяющий ее с небольшими изменениями в деталях (в частности, отсутствует фигурка мальчика-рыбака).
Многие годы своей творческой деятельности В. Д. Поленов провел в имении Борок, расположенном на берегу реки Оки недалеко от Серпухова (в настоящее время это музей-усадьба Поленова). Там был создан целый ряд замечательных работ, в том числе, ландшафт «Ледоход на реке Оке» (1918), принадлежащий к числу зрелых произведений мастера.
Необычайная эмоциональность отличает небольшие по размерам, тонко выписанные пейзажи И. П. Похитонова (1850-1923). Работая во Франции, этот художник внимательно изучал произведения своих коллег — мастеров барбизонской школы, — однако никогда не порывал связей с традициями русского реалистического искусства. Убедительное свидетельство тому — картина «Птицеловы», хранящаяся в музее Серпухова.
Огромное значение в формировании творческого мировоззрения выдающегося русского пейзажиста И. И. Левитана (1860-1900) сыграли поездки на Волгу. 1890 годом датирован его великолепный этюд «Юрьевец. Пасмурный день на Волге», в котором непосредственное изображение бесконечных волжских далей, огромного, серого с розоватыми отблесками неба сочетается с проникновенным настроением тоски и печали.
Произведения А. А. Киселева (1838— 1911), С. А. Виноградова (1869-1938) и А. С. Степанова (1858-1923) являются переходными к разделу русского изобразительного искусства начала XX века. В экспозиции музея показано разнообразие проведенных живописцами художественных поисков и экспериментов, характерных для отечественной культуры предреволюционной поры (в частности, деятельность ведущих представителей таких художественных объединений и группировок, как «Союз русских художников», «Мир искусства», «Бубновый валет и голубая роза»). Особенно следует выделить пейзажи П. И. Петровичева (1874-1947), С. Ю. Жуковского (1873-1944), В. К. Бялыницкого-Бируля (1872-1957) и И. И. Бродского (1883-1939). Оптимистическое настроение превалирует в картине К. Ф. Юона (1875-1958) «Весенний вечер. Ростов Великий» (1906), посвященной прославлению красоты природы и активной, жизнеутверждающей деятельности человека. Напротив, мрачно-торжественная романтика задает эмоциональный тон произведениям К. Ф. Богаевского (1872-1943). Его большая композиция «Киммерийская область» является попыткой создать образ воображаемого исторического ландшафта Крыма в далекой древности.
Особое место в истории русского искусства рубежа XIX и XX веков занимает деятельность В. Э. Борисова-Мусатова (1870-1905), творчество которого непросто уложить в рамки современных течений и направлений. На его работах лежит печать своеобразного, глубоко пережитого настроения печали и одиночества. В Серпухове находятся две работы художника — «Плакучая ива» и «Грусть» (авторское название «Одиночество», 1903). В последней композиции — в высшей степени показательной для понимания творческого мировоззрения Борисова-Мусатова — из нежных серовато-пепельных красок летней ночи вырисовывается хрупкий, призрачный силуэт молодой девушки. Образное и композиционно-пластическое своеобразие искусства Борисова-Мусатова особенно отчетливо проявляется при сопоставлении его произведений с работами его современника Ф. В. Боткина (1861-1905). Как и Борисов-Мусатов, этот мастер часто показывал работы на выставках «Мира искусства». Однако, получив профессиональную подготовку в художественных академиях Милана и Парижа, Боткин много лет проработал за границей. Его творческое направление тесно связано с эстетическими установками венского Сецессиона («Обнаженная натурщица»).
Широкое распространение в русской живописи начала XX века, особенно среди молодых мастеров, приверженцев авангардистских направлений, получил жанр натюрморта. Как известно, наиболее популярен он был среди художественного объединения «Бубновый валет», одним из активных участников которого был И. И. Машков (1881-1944). Созданный им в 1911 году натюрморт «Бегонии» отражает типичную для этого направления тенденцию противопоставить всему мимолетному и случайному постоянные признаки вещи, вникнуть в ее живописную суть. Крупный масштаб, мощное звучание открытых цветов позволяют зрителю не только почти физически ощутить мясистые листья декоративного цветка, но и вместе с художником порадоваться красоте окружающего мира. Другую грань искусства «Бубнового валета» демонстрирует датированный 1910 годом «Натюрморт» Р. Р. Фалька (1886-1958). В отличие от Машкова, Фальк стремится выявить внутреннюю структуру рукотворных предметов, постичь логику взаимодействия цвета и композиционно-пластических масс.
Для находящейся в Серпухове картины характерен интерес к условно-геометрическому разложению пластических форм, их взаимным «наплывам» и совмещению точек зрения, подчеркнутой деформации движения и акцентировке живописной фактуры. В этом смысле А. В. Грищенко выступает одним из наиболее последовательных представителей европейского кубофутуризма — направления, которое, как известно, не имело особого распространения в русском изобразительном искусстве. Многочисленные произведения художников советского периода в коллекции Серпуховского историко-художественного музея можно условно разделить на несколько больших групп. К первой из них принадлежат картины известных отечественных мастеров, работавших в довоенные десятилетия и во многом связанных с традициями русского искусства рубежа XIX и XX веков. Они способствовали своей деятельностью утверждению реалистического метода изображения окружающего мира. При всем несходстве живописных манер и художественных темпераментов можно обнаружить немало общего в восприятии мира у С. В. Герасимова (1885-1964, «Портрет крестьянина») и П. А. Радимова (1887-1967; «Крестьянская девушка», 1923), П. И. Котова (1899-1953; «Бухарские медники», 1925) и П. И. Петровичева (1874-1947; «Музей-усадьба Чайковского в Клину», 1937), А. В. Куприна (1880-1960; «Зима. Москва», 1931) и Б. Н. Яковлева (?) («Баку. На промыслах», 1929). Интерес к эксперименту в области построения композиции и колорита отличает работы А. С. Левина (1893-1967; «Платок на столе», 1920), В. И. Люшина (1898-(?); «Белорусский вокзал. 1941 г.», 1961) и Т. Б. Александровой (1907-1987; «В мастерской», 1928).
Серпуховский историко-художественный музей — один из богатейших провинциальных российских музеев и самый крупный в Московской области музей изобразительного искусства. Располагается он в бывшем жилом особняке, построенном в конце ХIХ века по проекту архитектора Р.И. Клейна и принадлежавшем текстильной фабрикантше, купчихе III гильдии А.В. Мараевой.
Серпуховский музей был создан в 1920 году. Основой для него стала национализированная художественная коллекция, также принадлежавшая А. В. Мараевой. Эта коллекция была приобретена ею в 1898 году у известного коллекционера, камергера императорского двора, служившего чиновником по особым поручениям при московском губернаторе, Ю.В. Мерлина. Коллекция включала в себя ряд замечательных произведений западноевропейской и русской живописи, скульптуры, графики.
Анна Васильевна Мараева (1846- 1928) была видной деятельницей старообрядчества, покровительницей серпуховской общины староверов федосеевского толка. Ей принадлежало также уникальное собрание предметов традиционной русской духовной культуры: иконы, рукописные и старопечатные книги, шитье, тоже вошедшие в фонды Серпуховского музея.
Формирование музейной коллекции продолжалось в 20-е годы. Особенно активно пополнялся раздел русского искусства. В 1923 — 25 гг. в музей был передан ряд первоклассных произведений русской живописи из фондов расформированных Первого и Bтopoго Московских Пролетарских музеев, из Московского Губернского музея, из Центрального музейного фонда, а также из усадеб Серпуховского уезда. Постоянно пополняются фонды музея произведениями современных художников, в основном Москвы и Подмосковья. Сейчас музей хранит более 18 тысяч произведений живописи, скульптуры, графики, декоративно — прикладного искусства. В художественной галерее два отдела: русского и западноевропейского искусства. Собрание дает посетителю полное представление почти обо всех этапах развития русского искусства.
Русское искусство XVIII века, эпохи активного приобщения России к европейской культуре, представлено в музее в основном портретами второй половины столетия. Жемчужина серпуховской коллекции — "Портрет чиновника военной коллегии" кисти Ф.С. Рокотова. Портрет написан в период расцвета рокотовского мастерства и обладает всеми живописными достоинствами, отличающими работы этого мастера. Имя изображенного неизвестно; но художник сумел запечатлеть такие "души таинственной приметы", как благородство, глубину и богатство внутренней жизни, создав один из образов "лучших представителей" русского дворянства эпохи Просвещения.
"Портрет неизвестного офицера Гатчинской гвардии" принадлежит кисти неизвестного художника, предположительно друга Д.Г. Левицкого. Портрет выполнен на высоком профессиональном уровне, эффектен по своим живописным приемам, отличается остротой характеристики персонажа.
Имя А.О. Орловского, мастера полубытовых — полуфантастических зарисовок неразрывно связано с русским искусством периода романтизма (I треть XIX века). Увлечение художника искусством старых мастеров, в частности образами великого голландца Рембрандта, отразилось в "Портрете старика" и парном к нему "Портрете старухи", виртуозно исполненных Орловским в технике "трех карандашей" — углем, мелом и сангиной.
Пленяет своей непосредственностью "Мальчик с флейтой" — портрет, выполненный неизвестным мастером венециановской школы.
Несомненный интерес представляет коллекция провинциального купеческого портрета, собранная именно в Серпухове, у потомков купеческих родов Плотниковых, Мазуриных, Бердоносовых, Сериковых. Портреты различны по своему художественному качеству, авторы их неизвестны, но изображенные на них лица живо характеризуют жизненный уклад и типы серпуховского купечества I половины XIX века. Портрет купца Плотникова" и "Портрет неизвестной из семьи Плотниковых" отличаются архаичностью композиции, суховатой живописной манерой, обилием "говорящих" деталей и почти гротескной заостренностью характеристик. "Портрет серпуховского ратмана Бердоносова" и парные портреты супругов Мазуриных выполнены чуть позже, более профессиональной кистью и привлекают своим убедительным реализмом в сочетании с определенной сдержанностью, даже скупостью выразительных средств.
На протяжении всего XIX века центром художественной жизни России оставалась Петербургская Академия Художеств. Академическую школу высокого профессионального мастерства прошли многие лучшие русские художники прошлого столетия. Яркими представителями позднего академизма является Г.И. Семирадский и К.Е. Маковский, мастера исторической композиции. Их монументальные многофигурные полотна одинаково эффектны, декоративны, отличается насыщенным колоритом, мастерской светотеневой обработкой. Но если Семирадский отдавал предпочтение античным сюжетам, как в композициях Серпуховского музея "Праздник Вакха" и "Песня рабыни", то Маковский развивал в своем творчестве национальную тему, создавая богатые историческими и бытовыми подробностями сцены из боярской жизни. Полотно "Под венец" отображает обряды и обычаи допетровской Руси.
Живопись салонно-академического направления, яркая, праздничная, экспонируется в великолепных парадных интерьерах особняка. Служивший столовой Каминный зал, стены и потолок которого декорированы резным дубом, сумрачен и вместе с тем уютен. Неожиданным контрастом к нему является Белый зал, парадная гостиная, где декор в стиле "ампир", сочетающий белизну стен с позолотой и росписью лепного потолка, создает торжественное настроение.
Реалистическая тенденция всегда была сильна в русском искусстве, но наиболее полное развитие она получила во И половине XIX века в творчестве художников — передвижников. Демократически настроенная общественная мысль того времени требовала от искусства правдивого отражения жизни, беспристрастною анализа существующего общественного порядка, суровой его критики. Передвижники выступили в 60 — х годах XIX века как борцы против "искусства для богатых" приукрашивающем> реальность, поражающего внешним блеском, но непонятного и недоступного простому человеку. Искусство передвижников насыщено острыми проблемами современной жизни; оно повествует об обыденном, прозаическом, волнующем каждого.
Последовательным приверженцем критического реализма в живописи был В.Е. Маковский, целой небольшой коллекцией работ которого обладает Серпуховский музей. Большое многофигурное полотно "Молебен на Пасхе", необычное для этого мастера маленьких жанровых сцен, можно отнести к числу лучших его произведений. С любовью и вниманием отображает художник быт крестьян, подвергая при этом критике недостойных представителей духовенства. Кроме полотен В.Е. Маковского, в зале передвижников можно видеть этюд Н.А. Ярошенко "Цыганка" и жанровую композицию И.М. Прянишникова "В ожидании шафера".
Серпуховский музей обладает богатой коллекцией произведений русской пейзажной живописи 2 половины XIX века. Здесь представлены полотна замечательных маринистов И.К. Айвазовского "Прилив", А.П. Боголюбова "Порт Гавр" и "Прибои у мыса Сен — Мартин", Л.Ф. Лагорио "Лунная ночь на море". Один из шедевров Серпуховского музея — полотно А.Л. Саврасова "Лунная ночь. Болото". Несмотря на простоту и невзрачность пейзажного мотива, сдержанность цветовой гаммы, картина полна тонкой поэзии и красоты. И.И. Шишкин, корифей русского пейзажа, создавший свой неповторимый образ родной природы, представлен в экспозиции такими первоклассными полотнами, как "Сестрорецкий бор", "Лес весной" и редким для него мотивом "Еловый лес зимой".
Особенно дорого для серпуховичей имя В.Д. Поленова. Почти половину своей жизни он прожил недалеко от Серпухова — в имении Борок (теперь здесь располагается музей — усадьба В.Д. Поленова. Здесь были написаны "Ледоход на Оке", "Ока у Тарусы — излюбленные художником мотивы. Элегичен по своему настроению, полон грустного очарования поленовский пейзаж" "Старая мельница".
В экспозиции русского передвижнического пейзажа представлены также полотна Е.Е. Волкова, Ю. Ю. Клевера, В.В. Верещагина, А.А. Киселева, Н.Н. Дубовского, И. И. Левитана.
Особое место в русском искусстве II половины ХIХ века занимает творчество В.М. Васнецова, чьи композиции на фольклорно-сказочные темы широко известны. Первым полотном из этой серии был "Витязь на распутье". Один из первых вариантов этой картины, который экспонировался на VI выставке передвижников, украшает Абрамцевский зал Серпуховского музея. В интерьер бывшего кабинета А.В. Мараевой со сводчатыми потолками, украшенными богатой росписью в псевдо—русском стиле, органично вошла экспозиция картин художников, близких к мамонтовскому кружку и коллекция мебели и предметов декоративно—прикладного искусства, выполненных в абрамцевских столярных мастерских.
К предмету особой гордости музея можно отнести собрание живописи, графики а скульптуры ax художников начала ХХ века. Экспозиция этого раздела расположена на втором этаже особняка. Здесь представлены произведения всех основных художественных группировок и направлений этого времени.
Живописцы "Союза русских художников" продолжали традиции передвижнического лирического пейзажа, развивая темы, намеченные Саврасовым, Левитаном, Поленовым, обогащая их новейшими достижениями живописной техники, в частности, французского импрессионизма. Неуловимые нюансы состояния природы в различные времена года — тема полотен С.Ю. Жуковского "Золотая осень" и В.К. Бялыницкого-Бируля "Весна". К.Ф. Юон в пейзаже "Ростов Великий. Вечер" создает яркий и вместе с тем поэтичный образ древнего русского города. Необычайной свободой живописной манеры, богатством колорита поражает этюд К.А. Коровина "Ночью", в котором художник блестяще решает сложную задачу изображения нескольких источников света.
Одна из наиболее интересных страниц художественной жизни России начала ХХ века — это деятельность петербургского объединения "Мир искусства". Художники — мирискусники внесли большой вклад в изучение и пропаганду русского искусства, в обновление оперного и балетного театра, возрождение книжной издательской культуры. Именно театральными эскизами Л.С. Бакста, Н.К. Рериха, графикой И.Я. Билибина представлено творчество этой группировки в Серпуховском музее.
Различные грани такого сложного, яркого явления как неоромантизм, отражены в утонченных рабатах В.Э. Борисова — Мусатова, полностью погруженного в созерцание мира собственных грез, и в монументально-зпическом полотне К.Ф. Богаевского "Киммерийская область", где на основе реального крымского пейзажа художник создает портрет воображаемой страны, живущей своей таинственной жизнью.
Название московской группировки "Бубновый валет" стало символом бунтарства в русском искусстве ХХ века. Молодых художников П. Кончаловского, A. Лентулова, И. Машкова, М. Ларионова, Н. Гончарову, Р. Фалька объединило увлечение новейшими течениями французского искусства, интерес к русской фольклорной культуре, но более всего желание создать искусство новое, небывалое, ни на что не похожее. В ярких, праздничных полотнах живописцев "Бубнового валета" чувствуется молодая кипучая энергия, азарт экспериментаторства. Таков и натюрморт И.И. Машкова "Бегонии" из серпуховского собрания, где, кроме того, художник демонстрирует великолепное живописное мастерство и тонкое чувство цветовых гармоний. Сияющие красками полотна Н.С. Гончаровой "Хоровод", "Бабы с граблями", "Стрижка овец" полны грубоватой выразительности, сходной с выразительностью народного лубка. Эти сцены сельской жизни, увиденные художницей сквозь призму традиционной крестьянской культуры, становятся обобщенным образом, символом России.
Коллекция скульптур С.Т. Коненкова, которая экспонируется в этих залах, дополняет картину яркой, сложной художественной жизни в России в начале ХХ века.
Многие произведения из собрания Серпуховского историко-художественного музея экспонировались на выставках в Государственной Третьяковской галерее, Русском музее и за рубежом. Коллекция музея постоянно пополняется.
С. Мухин, Л. Мухина, Т. Быкова, И. Уральская, Т. Губанова, Б. Голубцов, Г. Быстрова
